Лицейский театр в год своего 25-летия подарил Омску фестиваль, какого здесь никогда не было. Первый городской фестиваль моноспектаклей «ЧАТ», собравший в афише работы восьми артистов, получил расшифровку «Честное актерское творчество».

Отрадно то, что Лицейский не думает присваивать фестиваль одному себе. Наоборот! Чем больше театров вольется в монодвижение, тем лучше. Конечно же, в основе своей это колыбель мастерства для «лицеистов», но в первом «ЧАТе» приняли участие артисты и других омских театров – ТЮЗа, Драмы и, что еще приятнее, – театров других регионов. Это говорит о том, что труппа Сергея Тимофеева всерьез подошла к идее популяризации жанра моноспектакля. Уже известно, что фестиваль станет ежегодным. Команда Лицейского приступила к подготовке второго «ЧАТа». Театр, являющийся в Омске одним из самых молодых, готов аккумулировать в городе свежий, актуальный творческий контекст, объединяя в своих стенах актерское сообщество. Чем шире палитра мастерства в этом сложном жанре, тем выше профессиональная планка, сильнее зрительские впечатления, мощнее и весомее вклад в омскую театральную традицию.

Фестиваль «ЧАТ» задуман неконкурсным, включает обсуждение каждой работы экспертным советом из критиков и журналистов и не предполагает наград. Но прожить целую жизнь за эти пять апрельских дней и завершить его вот так, «в тишине», не ответив артистам, было невозможно. Поэтому члены экспертного совета единогласно приняли решение присудить персональные дипломы всем участникам. Это намного лучше, чем «первые-вторые-третьи». Это объективнее. Это личное слово, найденное для каждого, которое обозначило ракурс актерской индивидуальности.

Чудики и не только

Обрамлением омских работ стали спектакли Антона Зольникова из Екатеринбурга и Марины Замысловой из Нижнего Новгорода. Оба имеют успешную сценическую жизнь, оба являются примерами того, как сольная работа артиста в сотрудничестве со «своим» режиссером способна перешагнуть рамки фестивального формата и обрести зрительскую любовь.

Конечно, Антон Зольников, несколько лет служивший в «Галёрке» и затем в «Пятом театре», отчасти тоже омич. Его в этом городе знают, помнят и очень тепло встречают. Ныне артист Екатеринбургского академического театра драмы, Антон Зольников открыл фестиваль спектаклем «Хомо чудикус» по рассказам Шукшина.

Пронзительный лиризм, актерская многоплановость и органичность во всем, чуткость к шукшинскому слову и шукшинскому типажу – так можно сказать о его работе. Спектакль родился уже в Екатеринбурге из внутритеатрального проекта в сотрудничестве с педагогом Антона – Татьяной Перминовой. Сделав фабульной осью спектакля три человеческих возраста, режиссер и артист выстроили философскую притчу о человеческой душе с ее метаниями, парадоксами, думами, комическими нелепостями и трагическими глубинами.

Чудики искренние и трогательные, с фантазией без берегов, мир для них – цветной, и во всем они могут найти свою поэзию. Люди таких не любят, не понимают, опасаются. Почему? Может, как раз потому, что в них слишком очевидно отражаются их собственные несовершенства: толстая кожа, грубость, внутренняя искореженность городом, цивилизацией.

Спектакль интересно решен сценографически, пластически, звуково. Бережно и тонко монолог Зольникова сопровождает из глубины сцены звук баяна Дмитрия Буторина. Шукшинский текст получается очень театральным, визуальным. Как и мир нарочито больших вещей, в который создатели спектакля поместили всех персонажей в исполнении артиста –взрослых людей с детской душой, сохранивших в ней самое чистое и настоящее.

С нижегородской актрисой Мариной Замысловой, закрывавшей «ЧАТ» спектаклем «А рыбы спят?..» по пьесе Йенса Рашке, получился совершенно другой разговор. Вместе с режиссером Александром Ряписовым они представили содружество актеров К.А.Р.М.А и тему, на которую в нашей стране в силу отличного от европейцев менталитета сегодня все еще не принято говорить с такой степенью откровенности. Вообще, показалось, что афиша фестиваля «ЧАТ» – это не просто череда спектаклей в удобное каждому артисту время. Это тоже режиссура. Поэтому у фестиваля чувствовался какой-то свой внутренний нерв, динамика, логика развития, призванная будоражить зрителя, «держать» и постоянно переключать регистры его эмоций.

Героиня спектакля Марины Замысловой – десятилетняя девочка, которая пытается осмыслить смерть младшего брата, впервые столкнувшись с утратой близкого. Оказывается, жизнь конечна. И человек беззащитен перед этой конечностью. Ребенок пытается найти место для незнакомого ей опыта в матрице привычного. Героиня «изучает» смерть, раскладывая это событие на мельчайшие детали и эпизоды, на воспоминания и ощущения, на предметы и образы. Она пытается понять, как устроено то, что еще незнакомо. Емкий образ спектакля – огромный белый стул, на который то и дело забирается девочка. У детского мира перевернутое масштабирование, но вот проходят похороны, и вместо гиперболизированного предмета – самый обычный детский стульчик, предмет, обретающий очертания уже взрослого мира.

Актриса выстраивает лабиринт детского восприятия очень подробно, аккуратно, этично, если можно так сказать, для зрителя. Все же в сознании русского человека разговор с ребенком о смерти – тема табуированная, оттого и спектакль нижегородцев всегда вызывает в зале противоположные отклики, от принятия до категорического отвержения. Пытаясь говорить об этом отстраненно, авторы спектакля выбирают «формат» пресс-конференции. Детские вопросы. Детская логика. Детская трактовка самого очевидного для взрослых. Достаточно умозрительный и сухой текст актрисе удается наполнить честными эмоциями, не фальшивя, не рефлексируя. Все это дает очень сильный эмоциональный эффект, с которым не каждый в зале может справиться.

От любви до безумия

При взгляде на афишу «ЧАТа» вообще становится ясно: знакомые пути и тиражированные темы не очень интересуют участников. Если у артиста появилось право на свой собственный монолог, он хочет говорить о том, что в данный момент резонирует в нем с внешним миром особенно остро. Непростая роль отведена и зрителю. Его приглашают на сложный разговор, доверяют что-то очень личное и ждут не просто отклика – совместного душевного труда, союзничества.

Работы актрис Лицейского театра – «Зельда» Анастасии Максименко и «Царевна-лягушка» Ольги Урлаповой – трагические монологи о женских судьбах, о счастье и путях к нему, о внутренней силе и бессилии, о жажде любви и – до последнего – надежде обрести равновесие в себе самой. Режиссером обоих спектаклей стал художественный руководитель Лицейского театра Сергей Тимофеев.

«Зельда» (драма Вильяма Льюиса) рассказывает историю жены американского писателя Фрэнсиса Скотта Фицджеральда, которая, теряя рассудок, цепляется за оставшиеся ей воспоминания о любви, превратившей в пепел ее жизнь и ее душу. «Царевна-лягушка» (пьеса Дарьи Горячевой) – история обычной молодой женщины, которую физический недостаток и бытовые обстоятельства вынудили закрыться от мира и от чувств, которые так важны и необходимы ей. Первая история – об утрате счастья, вторая – о его обретении. И обе – о невероятной внутренней силе, способной сжигать дотла и строить заново. Сложные задачи, которые поставил режиссер перед Анастасией Маскименко и Ольгой Урлаповой, позволили актрисам раскрыться совершенно по-новому, стать глубже, неожиданнее для зрителя, использовать целую палитру возможностей.

Анастасия Максименко создает образ, наполненный мучительной страстью. Актриса точна и пластически красива в нюансах и мизансценах. Героиня фрагментарно и рвано вспоминает свою жизнь со всем, что в ней было и что так и не состоялось. Сильная женщина стала заложницей своего чувства, и оно привело ее на грань безумия.

Образ Ольги Урлаповой – четко выстроенный и психологически точный. В детстве героиня получила травму и теперь на всю жизнь изуродована, как ей кажется, шрамом на теле. На деле же этот шрам как аллегория искореженности всей ее жизни, где тяжело больна мать, где неблагополучный брат отбывает тюремный срок и становится угрозой для своих родных, где есть внешнее и внутреннее одиночество в ежедневной борьбе с обстоятельствами. «Царевна-лягушка» Ольги Урлаповой – история о женщине, которая носит в себе невероятное количество боли, но в глубине ее израненного мира надежда цела. Есть желание дышать, мечтать, потребность в счастье никуда не делась. Поэтому в финале будет и встреча с мужчиной, который подарит будущее, и выздоровевшая мама, и стая белых бумажных журавликов. Метафоричная сценография спектакля поддерживает зрительскую надежду на свет, на то, что метаморфоза произойдет, лягушачья кожица сгорит и явит, в конце концов, Царевну.

Классика и «немножко нервно»

Специально для «ЧАТа» Сергей Тимофеев вместе с артистом Лицейского театра Игорем Коротаевым сделали спектакль «Иду я раз однажды по улице…». Во время фестиваля у публики была возможность голосовать за работы, которые произвели наибольшее впечатление. Спектакль Игоря стал фаворитом. Зрители оценили и замечательную литературу, и театральную легкость, и актерскую самоиронию и, безусловно, чувство природы комического, свойственное Игорю Коротаеву. В итоге было принято решение, что моноспектакль по рассказам Аверченко, Зощенко и Чехова войдет в репертуар. Премьера состоялась в мае. Один сценический час с хвостиком – и богатая галерея образов и типажей, из чьих коротких историй складывается целая человеческая жизнь. И в ней важно не упустить свою встречу, свою любовь, свое время. Задумайтесь об этом, зрители, загляните в зеркала, в которых отражаются персонажи спектакля – взрослеющие, стареющие. Посмейтесь, посочувствуйте, задайтесь вопросом, не теряете ли вы что-то важное в мелочах? Может, любовь? Ведь наше неизменное «Всё еще впереди!» – не больше чем иллюзия.

Амбициозным фестивальным экспериментом стала работа актера Лицейского театра Александра Боткина «Маяк@» в содружестве с режиссером Сергеем Захаркиным по произведениям Владимира Маяковского. Если говорить в рамках фестиваля о чистом и честном поиске, то «Маяк@» стал именно таким – и концептуально, и художественно. Фрагментарность, рваная ткань сценического повествования порой не позволяли смонтировать действие в стройное целое. В художественном высказывании, построенном на поэтическом материале, зрительская работа была скорее эмоциональной, нежели умозрительной. Поэт слышит гул своей эпохи, звук хаотический, нецельный, и выражает его в своем слове. Мир спектакля, существование артиста где-то ироничное, где-то гротесковое, где-то откровенно абсурдистское. Однако есть и пронзительный лиризм, и, безусловно, созданный Александром Боткиным образ мятущейся души Маяковского, и приходящее к финалу не понимание, но ощущение человеческой драмы поэта Маяковского, гений которого опередил свое время. Пусть в спектакле не все получилось, но риск себя оправдал: работа оказалась замеченной.

По законам «соло»

Спектакль «Как я съел собаку» Степана Дворянкина (режиссер – Николай Константинов) уже несколько лет успешно идет на камерной сцене Омского академического театра драмы. С глубоко персонифицированным, индивидуальным текстом Евгения Гришковца актер не побоялся выйти на сцену, чтобы на этом материале рассказать свою историю. Гришковец пишет очень личные строки, и задача, стоящая перед артистом, изначально непроста. Диалог со зрителем получится только в том случае, если ему удастся найти иные, не звучавшие ранее акценты. И таким образом артист сделает чужое слово по-настоящему своим. Можно сказать, что с этой задачей Степан Дворянкин справился. А оттого монолог звучит доверительно и непринужденно и находит своего адресата в зрительном зале.

Выполнила эту задачу и молодая актриса ТЮЗа Надежда Костюк, которая на фестивале представила работу «Кочерыжка» по рассказу Валентины Осеевой (режиссер – Елена Винокурова). История о мальчике по прозвищу Кочерыжка, которого солдат подобрал возле убитой матери и передал на воспитание своей семье, прозвучала из уст молодой актрисы очень трогательно и пронзительно. Полифония образов, в которой особенными нотами прозвучали женские судьбы, была раскрыта Надеждой очень бережно, глубоко. Перед зрителем – полупустой мир без мужчин, не вернувшихся с войны. В этом мире остались потухшие женские души, вокруг – сиротство. И именно благодаря чудом выжившему ребенку – Кочерыжке – происходит постепенное возвращение к жизни по крайней мере одной из них.

Возможно, этой истории не хватило режиссерского контрапункта, чтобы амплитуда актерского состояния обрела более явную динамику и развитие. И тогда преображение пространства горя и потерь в мир, который вновь учится жить и любить, прозвучало бы острее. Но при всем этом работа Надежды Костюк – сложная, объемная, наполненная – вызвала искренний и эмоционально сильный зрительский отклик, а это самое главное.

Художественный руководитель Лицейского театра Сергей Тимофеев говорит, что артист постоянно живет «на поле боя». Одна судьба сменяет другую, за смехом следуют слезы и наоборот. Фестиваль «ЧАТ» дает возможность каждому задать себе вопрос: а что могу я? За эти пять дней случилось восемь актерских «поединков». Восемь «дуэлей» с самими собой и попыток выдержать строй, оставшись один на один со зрителем. Каждый сделал это с разным успехом, но ни один «не погиб». «Хочется, чтобы этот фестиваль повлиял и на других артистов и на следующий год мы увидели бы другие лица, почувствовали борьбу за место в афише. Ведь нашей главной целью изначально было подтолкнуть артистов к творчеству», – говорит Сергей Тимофеев.

В юбилейный год Лицейский театр проложил к своим дверям еще одну дорогу для зрителя. Лицейский взрослеет, мудреет и испытывает потребность в освоении новых художественных форм и профессиональных инструментов. Он готов к качественно иной степени откровенности со зрителем. И ему не страшно рисковать, играя по законам «соло».

Валерия Калашникова

«Омская муза», №49 / 31 июля 2019 г.